Ya
era más de media noche cuando por fin pude dormir, a pesar de haber tenido un
largo día y estar bastantecansada me
costaba conciliar el sueño.
Recuerdo haber despertado gracias a esa
sensación de caída libre que hace reaccionar a nuestro cuerpo con un pequeño
salto y algo de susto, lo primero que quise hacer fue revisar la hora en mi
teléfono pero por sorpresa no podía mover alguna parte de mi cuerpo más que mis
ojos así que intenté relajarme mientras pensaba –Quizás tan solo es un sueño,
solo estás muy cansada- y decidí cerrar los ojos para intentar volver a dormir,
pero una sensación extraña se apoderó de mi habitación y en un instante sentí cierto peso a los pies
de la cama, como si alguien se hubiera sentado allí y desperté sintiendo el
corazón acelerado por el susto,-Solo fue un sueño, tranquila- eran las únicas
palabras que se repetían en mi mente. Iba a levantarme de la cama por que no vi
mi teléfono al lado pero al intentar hacerlo sentí como mis músculos se
endurecían y poco a poco dejé de moverme de nuevo, sentí el mismo peso en mi
cama y escuche monedas caer debajo mientras inmóvil y recostada sobre el lado
izquierdo de mi cuerpo recordaba todas las veces en las que había escuchado
sobre las parálisis de sueño y sus teorías, cuando de repente sentí una
respiración cansada ,como la de un animal salvaje que se acercaba cada vez más a mi nuca.
Pude
levantarme de la cama y encender la luz sin ver nada extraño en la habitación.
Hasta ahora no he vuelto a pasar por nada parecido, pero si encontré monedas
bajo mi cama al día siguiente, quizás no fue solo un sueño.
Hola, ¿Qué tal?, espero que
esté muy bien. Mi nombre completo es Piero Paredes
Garamendi, actualmente vivo en San Juan de Miraflores. Desde niño siempre tuve
la mentalidad de querer lograr cosas grandes, y quiero cumplir ese
propósito. Las cualidades que más resaltan en mí son la disciplina,
perseverancia, empatía y ambición. Particularmente hay un hecho que cambio mi
vida, cuando estaba en la secundaria, siempre solía sobresalir en la mayoría de
los cursos sin estudiar a conciencia, pero cuando cursaba el tercer año de
secundaria, llego un alumno nuevo a mi salón, yo confiado pensé que seguiría
siendo el primer puesto sin esforzarme como en los anteriores años, pero este
alumno nuevo tenia algo que yo no, él tenía disciplina. Era un chico que
literalmente solo iba a estudiar, su único enfoque eran las clases, casi no
hablaba con nadie. Termino la primera parte del año escolar y lo que ya era
obvio para todos menos para mí, se cumplió. El chico estaba ocupando el primer
puesto, ese fue el motivo para nuestra primera conversación larga, conversando
con él le pregunte porque no hablaba con nadie, me dijo que era porque era
tímido, que admiraba mi desenvolvimiento y la facilidad con la que podía hablar,
yo le comento que admiraba su disciplina, que yo no lograba concentrarme tanto
como él. Al pasar de los meses, ambos nos hicimos muy buenos amigos, ambos
aprendimos cosas del otro. Considero que, si ese chico no hubiera llegado a mi
vida, nunca habría aprendido la importancia de la disciplina, actualmente la
disciplina es una de mis fortalezas, porque mientras otros tal vez aprovechen
sus fines de semana para relajarse, yo los uso para desarrollar nuevos
conocimientos. Mi ambición y perseverancia se basan en que, por ejemplo, si
logro uno de propósitos, sigo buscando uno más grande.
Guion: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander
Dinelaris, Armando Bo II
Música: Antonio Sánchez
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Reparto: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis,
Naomi Watts, Amy Ryan, Andrea Riseborough, Lindsay Duncan, Merritt Wever, Joel
Garland, Natalie Gold, Clark Middleton, Bill Camp, Teena Byrd, Anna Hardwick,
Stefano Villabona
Productora: Fox Searchlight / New Regency
El manejo de cámara por parte del director es muy interesante, la
película está rodada en un plano secuencia, genera saltos temporales en el
tiempo sin la necesidad de hacer cortes. Por ejemplo, cuando sigue a los
personajes por los alrededores del teatro, con eso consigue crear una
atmósfera realista.
Los planos están muy bien aplicados, podemos ver que en su mayoría los
planos que usan son: el plano medio, cuando hay conversaciones entre los
personajes, el gran plano general, cuando Birdman supuestamente vuela por la
ciudad, el primer plano cuando hay momentos tensos para transmitir emociones,
el plano busto cuando están sentados en el bar conversando, y por último el
plano conjunto cuando se ve las actuaciones de los personajes en el escenario
del teatro.
La iluminación es muy bien manejada, ejemplo de esto es cuando Riggan
esta dando su monólogo sobre el amor en la obra de teatro, podemos ver como
usan la luz dura para poder enfatizar en sus expresiones y movimiento, la luz
semidura cuando está en su camerino. Sin embargo, podemos también ver que usa
la luz natural, un ejemplo de esto es cuando Riggan sobrevuela la ciudad,
cuando este esta parado en el borde del techo de un edifico, o cuando este
despierta en la vereda de una calle después de haberse embriagado la noche anterior.
Loa colores aplicados son en tonos muy familiares y clásicos. Podemos ver
los colores cálidos cuando hay tomas de manera abierta, por ejemplo,
cuando Riggan medita en su camerino y cuando se ve la luz del día, en cambio,
los colores fríos mayormente se aplicaron dentro del escenario del teatro. Hubo
un buen contraste, entre lo moderno y lo clásico.
El vestuario es tan real como mágico, se integra un concepto dentro de
otro, impidiendo que no se produzca distanciamiento por parte del espectador:
vestuario realistamente reconocible para personajes perfectamente identificable
con ello, se logra dar cabida interna a lo fantástico e irreal.
Actuaciones impecables tanto de Michael Keaton, quien logra interpretar a
un personaje egocéntrico y egoísta, pero nos muestra su lado humano cuando este
trata de lograr volver a alcanzar el éxito, incluso hace que podamos ponernos
en su lugar, también hubo otras actuaciones sobresalientes como la de Edward
Norton y Zach Galifianakis, quien dejo su zona de confort que es la comicidad
por algo nuevo, ambos demostraron su excelencia en la puesta en cámara.
Tremendamente teatral e insuperablemente cinematográfica a la vez, Birdman
constituye un audaz relato del mundo de las inseguridades, los egos y esa
ambición humana de la trascendencia. Todo ello con un contrapunteo constante
entre lo real y lo imaginario, entre la vida y el sueño.
El director Alejandro González Iñarritu, es un director que le gusta
innovar, fusionar lo moderno con lo clásico, podemos ver eso en el transcurso
de la película, también vemos como González Iñarritu hace referencia a el
director de cine Jean Luc Godard, en la manera que se presentan los créditos,
el uso del planos secuencia y contratar actores cuya vida personal se asemeje
al argumento de la película.
La edición de la película no me pareció tan complicada ya que, al haber
planos secuencias, los cortes no eran tan complicados, sin embargo, hay una
parte de la película donde aparece una especie de dragón en el cielo, en esa
parte me pareció que hubo un buen trabajo de edición, también hay algunos
momentos donde se alarga el corte como por ejemplo cuando la cámara enfoca el
amanecer.
El sonido es simple, sin embargo, es modificado cuando Birdman
rompe la cuarta pared para dirigirse al publico o cuando este mismo habla con
Riggan para darle consejos o regañarlo.
En Birdman la música es un personaje más, el director quiso que la música
transmitiera el atormentado mundo interior del protagonista, Antonio Sánchez,
el baterista que creo la música, hace que su música sea difícilmente ignorada
por el espectador, pero al mismo tiempo logra integrarla de manera exquisita.
Esta obra consiste básicamente en la vida de un actor olvidado que busca
a toda costa volver a ser reconocido, sin importarle dañar a los demás o perder
el amor de su familia. En el trascurso de la película podemos ver como trata de
sacar a flote su obra de teatro, con una lucha interior consigo mismo que le
decía que no iba a poder triunfar con esta obra, que era mejor que vuelva
interpretar a Birdman. También podemos ver como supuestamente el protagonista
tiene una especie de poder telequinético, donde puede apagar la televisión con
la mente, destruir cosas o volar, pero todo esto está en su mente y eso
representa el talento de Riggan, que está oculto y solo él puede ver. Cuando
Riggan toca fondo, por fin logra ponerse de acuerdo con su voz interior, es
cuando por fin logra el éxito de su obra. Al lograr el éxito de su obra, Riggan
trata de suicidarse por segunda vez, luego cuando termina hospitalizado y su
hija va visitarlo, podemos ver en la escena del baño como este siente un grado
de superioridad hacia el personaje de Birdman, y cuando su hija vuelva al
cuarto del hospital, este se ha tirado por la ventana dándonos el espejismo de
que ha volado , pero siento que el vuela de manera metafórica, ósea
que cuando su hija ve que supuestamente que él está volando
significa que su hija logra ver su éxito.
Lo que autor nos quiere decir en esta obra, es que por más potencial que
tengamos hasta que no lo demostremos nadie nos va a creer o va a apostar por
nosotros.
La ideología que maneja el autor es el de innovar constantemente,
exponiéndose al fracaso, buscando hacer cosas que no se hayan hecho nunca.
La obra es importante para la sociedad porque nos demuestra como podemos
superar nuestros limites, no conformarnos con el éxito del pasado, buscar
éxitos nuevo. Nos muestra como hay personas que intentarán vernos en el fracaso
como la señora que criticaba las obras de teatro sin antes verla, también como
hay personas que siempre serán nuestro apoyo por más malas personas que seamos.
Nos permite encontrarnos a nosotros mismo, en la manera en que todos siempre
buscamos ser admirados y reconocidos por nuestro trabajo.
Me pareció una
película muy buena, con una primera parte muy completa, que nos hace ver todo
lo que pasa el actor para poder alcanzar su meta, es una película que nos
invita a reflexionar sobre nosotros mismo.
Reparto: Daniel Kaluuya , Allison William , Bradley
Withford ,Catherine Keener , Caled Landry Jones, Marcus Henderson
, Betty Gabriel , Lakeith Standfield , Erika Alexander ,
Sthephen Root, Keegan-Michel Key.
En un principio podríamos creer que
Chris quedará atrapado y morirá, más el conflicto que propone Peele va más
allá, Chris y su novia Rose (Allison Williams) , imitando sus códigos
culturales y ante todo irrespetándolos. Aquí la figura del esclavo no se limita
a ser un sirviente de los blancos sino a sepultar cualquier rasgo de humanidad
para quedar reducido a una extensión de un ente superior. Rose nos da a
entender que es una novia atenta y comprometida con la relación, más la máscara
sólo será una fachada para consolidar el plan de su familia. Para ella, sus
parejas son un mero trofeo, un reconocimiento. Chris intentará disuadirla, pero
al final contemplará como aquellas excusas no eran más que una prolongación de
su secuestro.
Los padres de
Rose funcionan como engranajes que ponen alerta al espectador, el padre habla de entender a los negros, menciona
al «moho negro» del sótano y se mofa de cómo les han quitado oportunidades en
la sociedad, más todo esto lo hace de forma implícita. La madre, es distinta
habla sin rodeos y le ofrece ayuda a Chris con sus problemas, quiere ser
empática, pero al final intrusiva. La
hipnosis que aplica el personaje juega con los recuerdos de Chris y lo sepulta
al fondo, lo aparta de la sociedad y lo paraliza, enmarcándolo en
un palacio mental donde sólo las órdenes de ella tienen sentido.
A diferencia de otras películas de
terror, aquí el protagonista tiene sentido común y hace todo lo posible por
sobrevivir, busca cuestionar porque su entorno lo mira cómo si fuera distinto,
más la ansiedad lo corroe entre las cuatro paredes que amenazan con ver un
mejor mañana.
El final es más que apropiado, Chris
sobrevive y se venga, pero no sin antes ver cómo su amigo era subestimado
incluso por sus pares, remitido a una simple broma.
Toda esta secuencia está grabada en una
sola toma, el movimiento es perfectamente fluido y sirve para enmarcar, con
sincronía apabullante, el terror que está sintiendo André. Sólo entendemos su
incomodidad porque lo vemos todo desde su perspectiva. Y este ambiente
suburbano se convierte, de pronto, por seguirlo a él, en un ambiente de horror
que nos envuelve a todos como espectadores.
La iluminación es natural, en momentos
bastantes exagerados, para hacer las grabaciones en la noche se utiliza una luz
azuladas con un color muy vivo y eléctrico, contraste y oscuridad.
El color que tiene es nítido, ya que fue
grabada hace unos pocos años, es una película moderna, el vestuario de cada
personaje es combinado, ya que hay personajes jóvenes como adultos, se observa
vestuarios que son elegante y otros que son sport.
El sonido y la musicalización este
hecho por un soundtrack de 43 pistas que se usa en toda la película, desde el
inicio hasta el final.
La edición estuvo muy clara en lo que
querían trasmitir del largometraje, con el sonido de fondo hace que la película
sea más creíble.
Para Chris y su novia Rose ha llegado
el momento de conocer a los futuros suegros, y ella lo invita a pasar un fin de
semana en el campo con Missy (Catherine Keener) y Dean (Bradley Whitford), sus
padres.
Al principio, Chris piensa que el
comportamiento complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la
relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie
de descubrimientos cada vez más inquietantes lo llevan a una verdad
inimaginable.
El mensaje que Jordan Peele quiere es
llegar a las personas es la cuestión de qué podría ser mucho más peligroso para
una minoría convertirse en una moda (como bien sucede en estos momentos en
Estados Unidos con los afroamericanos) que ser el objeto de ataques racistas
como en el pasado. Debemos cambiar nuestra forma de pensar o ver a las
personas.
Jordan Peele en su película quería
dejar en claro sobre el racismo que existía en el tiempo y que aún existe en
diferentes partes del mundo. Demos cambiar la ideología de penar de las
personas.
La película me parece
buena, méritos propios que van desde su ejemplar ejecución, dirección de
actores o guión hasta su importancia a nivel reivindicativo e histórico.
considerablemente bien con el eje temático del debut de Jordan Peele tras las
cámaras, elementos que en el caso del filme de Jordan Peele se ven reflejados
en su valor como representante y dignificador del cine de género y, por
supuesto, en el peso e importancia de su reivindicación racial.
Gone Girl, cuenta la historia
de la desaparición de Amy Dunne, una mujer de los suburbios que un día
desaparece en lo que aparentemente es una escena del crimen muy sospechosa, y
mientras pasan las horas y siguiendo una búsqueda de pistas, te das cuenta que
Nick Dunne, un hombre calculador, y desinteresado podría estar detrás de esa
terrible desaparición. En el transcurso de la historia conocemos a Amy, quien a
través de su diario nos cuenta su historia, su vida, como conoció a Nick, como
se enamoraron y como poco a poco la monotonía de su matrimonio convirtió su
vida, la de ambos en un terrible infierno. Pero hay un genial twist a mitad de
película, en esta serie de acontecimientos dramáticos, los medios metiéndose en
un horrible misterio las cosas cambian y descubres.
El manejo de la cámara, los
métodos de enfoque y cómo captar el movimiento de cámara sutiles y bien
calculados para cada personaje, buenosplanos y ángulos para darnos entender cada momento de la película.
La iluminación de toda la
película está rodada con la idea de que su estética resulte lo más natural
posible, pero siempre con mucho contraste, negros profundos y un férreo control
sobre las fuentes de luz, para que las sombras recaigan siempre sobre las zonas
que interesan a Fincher y Cronenweth, se sirven de las ventanas para hacer que
luz suave inunde las estancias, generalmente con un tono ligeramente azulado
que refuerza la frialdad de la historia.
El color que se usa es un
color cálido de la luz de tungsteno y añadiéndole el tono verdoso que, desde
hace años, identifica a las películas del director. En estas escenas nocturnas,
el operador se sirve de las lámparas integradas en el decorado o apliques para
generar sus fuentes de luz, y simplemente parece que utiliza algo de luz
rebotada (pero no mucha) para hacer que se perciban los rasgos de sus actores.
El efecto es natural, pero con el viraje de color, a la vez es estética y
atmosférica. La película cuenta con un color oscuro y frío, llena de amarillos
y azules y sombras oscuras.
Las
actuaciones de Ben Affleck y Rosamund Pike en el papel del matrimonio son
extraordinarias. Affleck mismo es una astuta broma: suerte de héroe poco
heroico. Su frustración es convincente, sin embargo, hay algo que impide
tomarlo demasiado en serio. Es un hombre común enfrentado a situaciones que lo
rebasan —y que pese a sus esfuerzos nunca logra estar en control de la
situación.
Gone
Girl es una película estadounidense de suspense psicológico de 2014 dirigida
por David Fincher y escrita por Gillian Flynn, basada en su novela homónima de
2012. La cinta está protagonizada por Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick
Harris, Carrie Coon y Tyler Perry. Ambientada en Misuri, la historia comienza
como un misterio que sigue los acontecimientos que rodean a Nick Dunne (Affleck),
quien se convierte en el principal sospechoso de la repentina desaparición de
su esposa, Amy (Pike).
En
el vestuario podemos observar que utilizan vestuarios que son vestidos, camisas
por parte del hombre, vestuario moderno ya que la película es del 2014, con
colores fríos para dar más suspenso a lo que va pasar en el largometraje.
La
música de Trent Reznor y Atticus Ross, en la pelicula fueron colocadas 24 sonidos
de musicalización, un grupo de soundtrack (quienes colaboraron con Fincher
primero en La red social y luego en La chica del dragón tatuado) es
hipnotizante; quizás no tan memorable como en los filmes anteriormente
mencionados, pero funciona perfectamente mientras uno ve la cinta.
Felizmente,
las actuaciones les hacen justicia a los personajes de Flynn. Ben Affleck es
excelente como el hombre que no sabe cómo expresar sus emociones, un personaje
que sabemos tiene muchos conflictos y dudas sobre sí mismo y que sólo está
tratando de encontrar la verdad. Se trata de una actuación algo fría, sutil,
pero que funciona perfectamente en el contexto de la película, mezclando
arrogancia con encanto.
La
película es fría y carece de emoción, de calor, pero ese es el punto: Perdida
nos mete en las vidas de dos personas que en la superficie parecen ser
perfectas, felices, pero que en el fondo están trastornadas y aparentan ser
algo que no son frente a otra gente. No es una película feliz ni positiva;
Fincher ha elaborado una cinta que ataca las emociones sin ser demasiado
emocional, que nos perturba y nos deja en shock y nos presenta con sorpresas
muy bien desarrolladas y que, a diferencia de otras películas, tienen sentido y
no parecen haber sido incluidas “porque sí”.
Todo sucedió en
el día más frio del invierno, una niña quien había perdido muy pronto a sus
padres, se fue a vivir con su abuelita; con el pasar del tiempo su abuelita
fallece y tuvo que irse a vivir con quien ahora es su patrón. La ciudad estaba
celebrando vísperas de navidad, todos se encontraban muy contentos,
especialmente los niños ya que pronto abrirían sus regalos; mientras todas las
familias se encontraban organizándose para recibir la navidad, la niña desde
muy temprano se encontraba vendieron las cerillas ya que su patrón era una
persona muy mala y ambiciosa, le dijo que no regresara hasta que termine de
venderlas todas; pasaron las horas y ya se aproximaba la noche, sin suerte
alguna la niña sentía mucho frio y tenía mucha hambre; caminando pidiendo
por favor que le compren las cerillas, se acercó una señora muy amable y le
compró una cajita de cerilla, tocándole la mano le dijo: niña estas muy fría,
deberías ir a tu casa.
La niña muerta de hambre y de lo
cansada que se encontraba se sentó en la nieve, sintiéndose muy triste y con
mucho frio preguntándose ¿Si enciendo una cerilla quizás ya no sienta tanto
frio? Entonces encendió una cerilla y de pronto apareció una imagen de una
chimenea encendida que le daba mucho calor, la cerilla se apagó y la niña muy
triste encendió otra cerilla, pero esta vez apareció una imagen de un árbol
gigante de navidad con muchos regalos, la niña corriendo hacia los regalos
queriéndolos tocar y pum! la cerilla se apaga; volviendo a prender
otra cerilla pero esta vez apareciendo otra imagen de una mesa llena de comida,
la niña queriendo comer todo lo que había en la mesa y de nuevo la
imagen desaparece de inmediato; prendiendo otra cerilla apareció una
imagen muy tierna, era la imagen de su abuelita ella solo
quería abrazarla pero la cerrilla se volvió apagar, entonces la niña prendió
toda la caja de cerrilla para que pueda volver a ver la imagen de su abuelita,
ella pudo abrazarla muy fuerte hasta sentir sus rodillas calientitas, la
abuelita le acaricio el rostro de la niña diciéndole: duerme mi niña hasta que
se quedó profundamente dormida. Amaneció y nadie supo de las cosas tan
maravillosas que vio la niña, ni de lo feliz que fue, pero ahí estaba con una
caja de cerillo en sus manitas.
Reparto:
Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Anna Paguin, Harvey Keitel, Stephen
Graham, Bobby Cannavale, Patrick Gallo.
Película basada en el libro I Heart You
Paint Houses es considerada por muchos una obra maestra de Martin Scorsese,
quién se encarga de remontarnos a tiempos antiguos de Gansters.
Protagonizada por tres grandes actores con trayectoria en el cine
policial. En este filme también encontraremos sucesos importantes en la
historia de Estados Unidos como a la elección y muerte de Kennedy, la historia
e impacto de Hoffa o el asesinato de un importante mafioso italiano, Joe Gallo.
The Irishman nos cuenta la historia en
base de los recuerdos de Frank Sheeran un hombre Irlandés que luchó en la
Segunda Guerra Mundial de joven, busca formas de ganarse la vida y empieza a
conducir camiones transportando reces, pero al tener la oportunidad de ganar
más dinero vende sus reses a Skinny por lo bajo, es ahí donde su vida en la
mafia inicia ya que luego de ganar un juicio en el que se le acusaba a por el
robo de las reces, Frank conoce a Rusell gracias a Bill Bufalino, su abogado.
Estos al conocerse tomaron confianza
muy rápidamente así Frank volviéndose sicario de Rusell.
Nuestro protagonista empieza a
involucrarse cada vez más con la mafia cometiendo homicidio y sabotaje en
negocios, al parecer relacionaba este tipo de trabajos con la milicia puesto a
que recibía órdenes "de arriba" y obligadamente debía cumplir con
estas.
Luego de un tiempo conoce a Jimmy
Hoffa importante personaje en la historia de Estados Unidos,
volviéndose bastante unidos, Hoffa también está relacionado con la mafia pero
al perder su sindicato luego de ser apresado presiona mucho a Tony Pro
para recuperarlo, provocando que Pro finalmente llega a su límite y
terminé tendiendo una trampa a Joffa en la cual su mano derecha Frank lo
asesinaron provocando su "desaparición".
Luego de ellos podemos observar otro
importante aspecto de la película El paso del tiempo. El Irlandés de envejecer
a sus compañeros de la mafia cuando poco a poco van falleciendo. Finalmente es
internado en un asilo, donde en una escena podemos observar que una enfermera
que se ocupada de su cuidado no reconoce al importante Hoffa en una foto así
haciendo que Frank reflexione acerca del paso del tiempo.
La película es considerada la mejor
obra de scorsese cuenta con un soundtrack bastante preciso para cada una de sus
escenas acompañadas de un excelente, también se observa un notable
rejuvenecimiento a los actores gracias al uso de tres diferentes lentes en
cámara. Esta película es un aporte muy grande al cine policial no sólo por la
trama sino por la producción tras ella.
The irishman es un filme que
realmente engancha en la trama gracias a la actuación efectos musicalización
etc. Requiere de bastante atención para captar cualquier pequeño detalle o
referencia, sin duda es una película obra maestra la cual siempre será valorada
dentro del género.
